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"Belleza y decadencia" la exposición de Ángel Pantoja y Theresa Möller en Untagged Art galería (Pagés del Corro 151) hasta el 26 de enero

hace 2 meses
Pintores

Belleza y decadencia es una exposición que se vertebra a través de la obra del artista Ángel Pantoja (Sevilla 1966) y la pintora Theresa Möller (Hamburgo 1988). Que se incorporan con esta exposición al elenco de artistas representados por la galería.

La exposición se plantea como un diálogo, como una contraposición entre dos discursos artísticos muy diferenciados tanto en lo formal como en lo técnico, pero dispuestos entorno a una idea y discurso común. Bajo el título "belleza y decadencia" se hace una contraposición de ambas ideas presentes en la obra de los dos artistas.

Desde Untagged Art galería estamos especialmente interesados en la creación y presentación de propuestas dinámicas, en las que las disciplinas artísticas se mezclen, dialoguen o discutan. De esa forma de entender el proyecto de galería surge este proyecto que se centra en un aspecto fundamental, el discurso del arte, lo que puede y debe contarnos el arte. Este proyecto busca hacer reflexionar al espectador, enfrentarlo ante dos realidades, por un lado el disfrute estético del arte a través de su belleza y por otro lado despertar su conciencia, sumida en un profundo letargo. Enfrentar al espectador ante la realidad en la que vivimos, sin filtros, en la que la decadencia social e individual ha llegando al límite de lo soportable para la naturaleza, el planeta e incluso parte de la sociedad misma. A pesar de las evidencias, el hombre sigue negando la mayor y refugiándose en discursos edulcorados, vacíos de contenido o transformados con filtros mentales que le impiden tomar conciencia de la situación real. En definitiva, defendemos la idea de que el arte no debe ser solo un refugio para la vista, o el alma, debe ser un agitador de conciencias, una disciplina más para investigar, aprender, transmitir, concienciar, denunciar... y por supuesto también deleitar.

La exposición nos presenta por un lado el trabajo de collage fotográfico de Ángel Pantoja que nos habla de paisajes urbanos, de arquitecturas y elementos icónicos de la modernidad como pueden ser el "Atomium" de Bruselas o la TATE Mordern de Londres que son transformados, devorados por el exceso consumista y la falta de conciencia de nuestra sociedad actual, en la que se nos presenta un paisaje desolador, que refleja la decadencia y la deriva de la sociedad actual.

Se presentan en la exposición obras y escenas monumentales, que abruman al espectador, como el caso de la obra TATE Basura, de 200 x 350 cm que se dispone al fondo de la sala de la galería, la pieza inunda la sala de una atmósfera de desolación, de silencio y putrefacción.

Durante el recorrido por la exposición se puede ver una reinterpretación de una conocida obra de Böcklin (pintor simbolista del siglo XIX) “la isla de los muertos” en la que Pantoja transforma la escena original en una isla de la basura, un inframundo contemporáneo creado por la modernidad y el desarrollo; al que tratan de aferrarse dos almas del tercer mundo, tras una odisea en lancha neumática al paraíso de las oportunidades y el exceso.

Las obras de Pantoja nos trasladan de algún modo a sensaciones propias del romanticismo pictórico o al simbolismo de finales del siglo XIX de artistas como Caspar D. Friedrich o Böcklin y a esa sensación de vulnerabilidad del hombre/ espectador frente a una muerte anunciada e inevitable, en este caso provocada por el exceso y la deriva humana. Pero sobre todo, y frente a ese desaliento existencial, la obra de Pantoja es un grito desesperado por el planeta, por la naturaleza, por la humanidad... una llamada de atención a la conciencia humana.

Pero no es la obra de Pantoja una obra aterradora o monstruosa, si no que al igual que ocurre en el día a día nuestra sociedad, la dramática y atroz situación que nos plantea Pantoja se edulcora y filtra a través de un claro contenido estético, cargado de ironía y humor, y que refleja de alguna manera la belleza de lo decadente, de la ruina o la miseria humana, transmitiendo una sensación de silencio, de pausa, como la calma que sucede a la tormenta. Como podemos percibir, quizás, más claramente en la pieza “Oceanía 5” en la que nos presenta un mar de bolsas de plástico, un baile de “medusas”, una composición armónica y “plástica”, una bella representación de la trágica realidad de nuestros océanos, plagados de micro-plásticos.

En contraposición nos encontramos la pintura de Theresa Möller, una pintura saturada de elementos y color. Su obra explora el trágico enredo y la indisoluble interdependencia de la evolución natural y el desarrollo cultural. Su obra se inspira en la profunda vulnerabilidad y la sensual opulencia de los colores y formas de la naturaleza. Sin embargo, la inspiración no es naturalista, los tonos que utiliza son malvas dulces, azules empolvados, naranjas afrutados y verdes marinos. Las arquitecturas reaparecen ocasionalmente a través de las líneas del horizonte y las formas geométricas creadas por la Naturaleza.

Los patrones parecen vivos pero no son humanos. Estamos ante una especie de cosmoramas desprovistos de protagonistas, donde la fuerza y la energía de las formas construyen mundos peculiares e inquietantes por los que deambular. El misterio y la fantasía que encierran los cuadros de Theresa Möller no incitan a la narración. Dejan intencionadamente espacio para las sensaciones, y debemos tomarnos tiempo para contemplarlas de cerca. El papel de la artista es sublimar lo invisible. Los tonos alegres de su paleta son poderosos y apelan a los sentidos del espectador. En los lienzos de Theresa Mölller el mundo en que vivimos parece aquejado de una tragedia letárgica e incurable que desafía a una cultura pop vertiginosa y voraz. Su arte puede parecer un delirio pero resume las principales preocupaciones contemporáneas de nuestro tiempo.

En las piezas presentes en la exposición, Möller toma el paisaje y la naturaleza como el centro de su iconografía y crea a través del color imágenes exuberantes de bosques, pantanos y lagunas. Las formas afloran en los detalles: hojas, ramas y troncos se revelan si uno se concentra ellas. El frondoso follaje, los troncos o las ramas cubren el lienzo creando una maraña de color que hacen el bosque casi impenetrable. Una naturaleza virgen, de una belleza exquisita, pero a la vez una naturaleza que se marchita, lánguida, de troncos y ramas que se rompen, que se caen, que aluden a esa decadencia natural, subyace en sus lienzos esa idea tan intrínseca a la vida misma, la muerte, la decadencia por el mero paso del tiempo. La vida que surge alrededor de la muerte, como la proliferación de hongos en los troncos en descomposición o la aparición de líquenes. En el caso de Möller nos habla de una belleza natural, sin artificios, sencilla pero exuberante y de una decadencia inevitable, natural e inherente a la vida misma.

Tomando prestadas las recientes palabras de Jane Goodall, en las que habla sobre la desconexión que existe entre el cerebro y el corazón humano en la sociedad individualista actual y lo importante que seria recuperar la armonía entre cabeza y corazón para alcanzar nuestro potencial humano. De un modo similar el discurso de esta exposición plantea esa misma idea de desconexión ente mente y corazón a la hora de disfrutar del arte o del ocio limitándonos a buscar lo bello, el disfrute individual, lo agradable y huyendo o ignorando todo lo negativo que surge a partir de ese necesidad de satisfacer nuestro deleite.

Semblanza de Angel Pantoja por Maria Arregui

Angel Pantoja es un artista de esos difíciles de definir. Nunca tenemos claro lo que hace pues se mueve ágilmente por diferentes campos con mucha naturalidad: puede ser un dibujante, un ilustrador, un pintor, un escultor o incluso un ebanista. Esa versatilidad en géneros, soportes u herramientas es una característica que comparte con muchos de los más importantes artistas contemporáneos que suelen estar siempre incómodos con cualquier tipo de encasillado o etiqueta para definir su trabajo. Sin embargo, lo que es una constante en su regusto por el color y la imagen en la configuración de una iconografía que bebe directamente de las fuentes del barroco culturalmente tan presente en Sevilla, además de un uso muy preciso del humor y la ironía.

Sobre las obras presentadas

Al hablar del trabajo de Ángel Pantoja nos referimos, pues, a una imagen construida. Al inicio de su trabajo, el artista concebía sus obras como collages, a base de la selección y reordenación de imágenes de diferente origen. Este sentido de la construcción a partir de fragmentos de otras imágenes le ha acompañado desde entonces, habiendo evolucionado en su ejecución a medida que también lo ha ido haciendo la tecnología, lo que ha ampliado las posibilidades expresivas y creativas del artista. El conjunto de su imaginario es casi tan infinito e inagotable como observar cada detalle de una sola de sus piezas, donde aguardan continuas sorpresas, mensajes, objetos, etc., y donde nada existe de manera accidental o azarosa.

Dentro de los rasgos que caracterizan a la obra de Ángel Pantoja se encuentra su peculiar modo de representar las escenas, que podríamos considerar dentro de la fastuosidad del barroco sevillano de cuya influencia sus obras no se ven libradas, y desde luego, con toda la intención.

Texto de Rafael Doctor Roncero sobre la obra de Angel Pantoja

¿Tiene un artista más responsabilidades con el mundo que el resto de personas? Aquí cada uno, como en todo, opina lo que quiere, pero yo tengo claro que sí, que rotundamente sí, que el artista tiene que aportar desde su trabajo gritos, pautas o salidas para mejorar el mundo del que forma parte. Un artista es alguien que se lanza al mundo y que a través de lo que piensa, y posteriormente ejecuta, alza la voz y llama la atención de los demás pues tiene algo que ofrecer. Uno hace cosas para comunicar a través de ellas. No obstante, el sistema artístico es tan amplio y complejo que ya ni sabemos qué es ni dónde está y, mucho menos, cuál es su verdadera función; lo que está claro es que todo puede caber siempre y cuando esté avalado por la intención de expansión o comunicación de la obra que genere el artista. Seguimos y seguiremos viviendo en una postmodernidad permanente, eterna y sin fin, que es la que rige el bello y extraño sinsentido en el que nos gusta habitar y en el que todo es posible y en esa gigantesca posibilidad la confusión es aún mayor. Ángel Pantoja es un artista de esos difíciles de definir. Nunca tenemos claro lo que hace pues se mueve ágilmente por diferentes campos con mucha naturalidad: puede ser un dibujante, un ilustrador, un pintor, un escultor o incluso un ebanista. Esa versatilidad en géneros, soportes u herramientas es una característica que comparte con muchos de los más importantes artistas contemporáneos que suelen estar siempre incómodos con cualquier tipo de encasillado o etiqueta para definir su trabajo Sin embargo, lo que es una constante en su regusto por el color y la imagen en la configuración de una iconografía que bebe directamente de las fuentes del barroco culturalmente tan presente en Sevilla, además de un uso muy preciso del humor y la ironía.

La Hojarasca, título de su último trabajo, es el cúmulo de hojas muertas que definen normalmente el otoño. La hojarasca es así el detritus de lo que antes fue vida y ahora, aunque muerto, va a ser la base de lo que está a punto de estallar. El escenario que nos

ofrece es el de un mundo que ha sucumbido en el que persisten unos pinos y unos abejarucos que sobrevuelan por diferentes huellas y símbolos de la estupidez y la maldad humana. El urinario de Duchamp vuelve a la basura de la que, posiblemente, nunca debió de haber salido, de la misma forma que las pelotas de golf nunca deberían haber arrasado con los espacios naturales de los campos y las dehesas de nuestro mundo. Ahora la realidad se comprime en unas pocas escenas en las que aún persisten los símbolos de nuestra miseria supina en escenas como las que vemos el esqueleto de un galgo ahorcado u otras con otros esqueletos de tantos animales como hemos ido arrasando hasta hacerlos extinguir. Y es que nuestra corta historia humana que glorificamos como cultural, científica o incluso humana, no es otra cosa que un despliegue destructor de un simio que se salió del orden y empezó a actuar como un virus y, como tal, arrasó con el cuerpo, la tierra, que había invadido. De una forma plácida, pero contundente, nos encontramos representado el grito de este artista contra la estupidez del comportamiento humano que rige el mundo desde el capítulo que nos toca vivir. Ahora soñamos un futuro en el que es lógico que ya no estemos y en el que quizás sean otros los que intenten restaurar tanta destrucción y sinsentido arrasador innato de un mundo que ya es solo hojarasca. Ojalá y esto solo sea una llamada de atención, ojalá y esto sea solo un grito de una sociedad que ya está intentando reparar y aprender de sus constantes errores, ojalá y estas obras dentro de un tiempo sean contempladas como un retrato de un miedo. Sin embargo la esperanza está acurrucada en algún lugar lejano pues ya dejó de creer en nosotros. Todos los datos apuntan a un final al que nosotros nos empeñamos incluso en acelerar. El artista, al menos, aporta el grito de socorro y esa es su responsabilidad ante el sinsentido del mundo que le toca traducir y representar.

Otras referencias de la obra de Angel Pantoja en medios

Las inabarcables mitologías de Ángel Pantoja.
Por María Regina Pérez Castillo en www.plataformadeartecontemporaneo.com

La obra de Ángel Pantoja (Sevilla, 1966) es asimétrica en su temática y muy dispar estéticamente, sin embargo, todas sus piezas hablan el mismo idioma: un lenguaje irónico y desvergonzado con tintes kitsch y de facción artificial. A dicho leitmotiv se ha aferrado la comisaria de la exposición, María Arregui, quien bajo el título de Mitologías del Presente ha conseguido organizar la producción del artista generando un relato inteligente del que podemos disfrutar en la Sala Atín Aya (Sevilla) hasta el 18 de junio. Este proyecto es, por tanto, cosa de dos.

Y es que, efectivamente, Arregui ha sabido ver en la obra de Pantoja ese carácter híbrido entre lo mítico y lo contemporáneo, entre la iconografía clásica y los problemas que nos aquejan en la actualidad. La serie más representativa en este sentido sería la de Bustos (2016), un conjunto de imágenes en las que el artista combina mediante la técnica del collage digital esculturas de torsos clásicos masculinos y femeninos, generando la extrañeza en el espectador y atendiendo a realidades tan recientes (y candentes) como el transgénero o el movimiento queer. Podemos entrever en este trabajo los ecos de la estatuaria romana dedicada a Hermafrodita, o más cercano y famoso aún, el Hermafrodita durmiente del Museo del Prado. Sin embargo, los bustos de Pantoja se alejan de ese silencio escultórico romano, tranquilo, bello y atemporal, exhibiendo un carácter mucho más descarado y ruidoso, sin duda gamberro. Así es como una serie de rostros evidentemente masculinos aparecen salpicados por diversos atributos femeninos (pechos, joyas, complejos peinados...), suprimiendo ese espíritu de dignidad y solemnidad que los caracterizaba, y provocando la sonrisa en el espectador. A través del humor, Pantoja consigue aproximarnos a un tema tan complejo y controvertido como es la transexualidad. Un carácter más crítico y reflexivo, no tan humorístico, encontramos en

el conjunto de obras que la comisaria ha puesto a dialogar en la segunda sala. Conviven en ésta piezas de distinto formato y temática, pertenecientes a distintas series pero de espíritu común: una visión postapocalíptica del mundo. Destaca la serie Hojarasca (2014), siete escenarios naturales, inhóspitos y un tanto surrealistas, en los que la huella humana ha desaparecido, y en los que la naturaleza, representada por la figura del pájaro o la abeja, se ha abierto paso aprovechando los restos de muerte y destrucción. Así, las costillas de un cuadrúpedo se convierten en el hogar de otros animales, albergando un panal, y dos viejos cascos de stormtrooper ahora son la estación de descanso de un pájaro. Pero, sin duda, la pieza más interesante de esta sala – y de la exposición, me atrevería a decir- por su significado y madurez conceptual sería Accidente en torreta forestal (2014), en la que se muestra un frondoso

bosque del que sobresale una torre vigía en llamas. Con esta contundente metáfora, Pantoja nos interroga: ¿qué ocurre cuando quien nos protege es atacado? La multiplicidad de preguntas que nos asaltan ante dicha imagen son el motivo por el cual ésta es la obra más sobresaliente del conjunto. Ciertamente, subyace en su discurso un tono ecologista que se revela definitivamente y se evidencia en la tercera sala expositiva, que alberga las Tormentas de bolsas de plástico I y II (2016) y las Arias para tormenta de bolsas de plástico I y II (2016). En éstas últimas, el artista retoma la figura clásica de la Venus – una venus corpórea, de carne y hueso- situándola en medio de un remolino de bolsas de plástico que se le adhieren y enganchan al cuerpo, estableciendo así un discurso crítico frente a nuestra sociedad consumista, contaminante y artificial. Más acertadas son las composiciones de las Tormentas, en las que la figura humana ha desaparecido, quedando solo las bolsas flotando en un espacio etéreo que es atravesado por ráfagas de aire. Desde luego la escena resulta evocadora. La crítica a la “sociedad del residuo” se materializa a través de estas fotografías de estética más o menos amable, al fin y al cabo simpáticas, o a través de escenas mucho más crudas y violentas como Basura Gran Vía (2013) en la que el

edificio Metrópolis de la célebre calle madrileña se erige tristemente recubierto por bolsas de basura, escombros y otros desechos, todo en medio de una atmósfera gris y contaminada. Tal y como indicaba al principio, las propuestas de Ángel Pantoja son diversas e irregulares. La serie Granadas (2015) y algunas piezas de la serie Golf (2014) acaban resultando un tanto frugales en comparación con otros discursos más comprometidos y valientes, presentes en la exposición. Por ello, cabría reconocer el complejo trabajo museográfico y narrativo que la comisaria ha sabido tejer y que es resultado de una comunicación constante entre ambas partes (artista y comisario), de un conocimiento profundo del medio (la fotografía) y del espacio (la sala expositiva). La pieza con la que cierra esta exposición no es, en absoluto, un hecho azaroso, sino una decisión premeditada que, entre tanta catástrofe y hecatombe, supone un grito de esperanza e insubordinación. En Sillas y pájaros un grupo de aves picotean poco a poco las maderas de los asientos, socavando su estructura y, por tanto, su equilibrio. Finalmente las harán caer. La naturaleza se impondrá.

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